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Entrevista a Jungle por 'Volcano', su nuevo álbum

“El cielo es el límite para nosotros”

El tiempo dirá si más o menos acertado, pero el cuarto largo de Jungle es un punto y aparte en su carrera. Menos ornamentos y un camino más directo a la pista de baile, en la que siempre su música ha encontrado una buena acogida, con un sonido muy diferente. Josh Lloyd-Watson y Tom McFarland acentúan su labor como productores en un disco inundado de colaboraciones procedentes del mundo del rap, como Roots Manuva, Erick The Architect, Channel Tres y Bas.

El resultado se titula “Volcano” (Caiola-AWAL-Popstock!, 2023) y es un ejercicio de libertad creativa en el que se desprenden de los corsés que les han estado acompañando durante su carrera. Hablamos con un Tom McFarland cálido y asertivo, convencido de que, después de un verano como DJs, Jungle regresa con un disco que abre una nueva etapa en su trayectoria, en la que prescinden de cualquier autocrítica.

¿“Volcano” es un punto de inflexión en la carrera de Jungle?

Creo que sí. Siento que hemos hecho un álbum en el que la próxima dirección puede ser cualquiera y esa dirección tiene el potencial de ser aún más emocionante. Estamos creando música con mucha confianza y relativa facilidad en comparación con algunos de los discos anteriores. Así que, sí, creo que mental y creativamente estamos en el lugar más alto en el que casi nunca hemos estado.

¿Cómo llegasteis al consenso para un cambio tan pronunciado en vuestro sonido?

No creo que se haya discutido en ese sentido. Es como si hubiéramos abordado este álbum con una filosofía un poco diferente, tratando de no pensar demasiado en la música que estábamos haciendo, tratando de ser lo más libres posible para minimizar la autocrítica dentro del proceso creativo. Y eso se refleja en la música, que se siente vibrante, muy enérgica y muy libre. Creo que no es necesariamente una decisión consensuada, sino que estamos en un lugar donde hemos eliminado todas las barreras y todos los miedos. El cielo es ahora el límite para nosotros.

¿Cómo defines el nuevo enfoque de Jungle en la producción y el sonido?

Simplemente más alegre, utilizando sonidos más emocionantes, sin tener miedo de lo que la gente pensará sobre las canciones, las estructuras y la forma en la que presentamos las letras y las voces. Tener más artistas destacados en este disco es increíble. Nos ha dado una dimensión completamente nueva a las historias que contamos y es increíble poder mostrar el talento de otras personas. En última instancia, somos productores de discos y creo que durante mucho tiempo tal vez nos quedamos un poco atascados pensando que éramos artistas, cuando nunca nos hemos visto como artistas. Pero tal vez subconscientemente ese sentimiento se coló en nosotros y nos frenó un poco. Ahora sentimos que estamos en un buen camino y que podemos ser más experimentales y audaces.

En entrevistas previas comentáis que cuando hicisteis vuestro anterior álbum, “Loving In Stereo”, publicado en 2021, pensasteis en cambiar el enfoque y hacer un trabajo más dance en el siguiente. ¿Es correcto?

Sí, definitivamente el disco es más electrónico, más bailable. Hemos estado pinchando como DJs mucho últimamente y hemos disfrutado. Salir y poner música de otras personas en el escenario y no preocuparse demasiado por ello es un proceso muy liberador y muy divertido. Hemos estado expuestos a más música electrónica recientemente y eso definitivamente ha infectado nuestro subconsciente y se refleja de alguna manera en nuestra creatividad.

Habéis reemplazado los falsetes por voces femeninas en la mayoría del álbum. ¿Por qué?

Creo que simplemente nos estábamos aburriendo un poco de escuchar nuestras propias voces. No hay reglas en Jungle. La razón por la cual Jungle está creado de la forma en la que está es para que pueda ser cualquier cosa: puede ser la voz de cualquier persona siempre y cuando suene bien y conecte con alguien. Por eso hemos decidido hacer esto. Hemos experimentado con el uso de voces femeninas y otras voces en los últimos años; ha sido muy natural y nos pareció una progresión interesante, que además podía ser un reto para las personas que escuchan nuestra música por nuestras voces. Pero también creo que las canciones y las voces en este nuevo álbum son indiscutiblemente buenas, así que no hay ningún miedo desde nuestra perspectiva sobre cómo será recibido.

“For Ever”, vuestro disco de 2018, fue un álbum de ruptura sentimental y con “Loving In Stereo” recuperasteis vuestra versión más lúdica. Este disco combina letras muy románticas, como la de “Every Night”, con otras que representan cierto desencanto, como la de “Good At Breaking Hearts”. ¿Influyó alguna situación personal en la construcción de este álbum?

Creo que la música siempre va a verse influenciada por lo que se siente en ese momento. No creo que necesariamente nos propusiéramos crear un álbum más romántico, pero ambos estamos bastante felices y tal vez eso se refleje en la música. Es enérgica, positiva, como si estuviéramos transmitiendo mensajes universales. Queremos que todo el mundo pueda llevarse algo de cada canción, ya sea una nueva interpretación o una mayor conexión con una cierta letra en cierto lugar. Estamos muy contentos de crear cosas que amamos, que nos emocionan, y tal vez eso es lo que se está escuchando en el disco y las letras.

También hay letras con un contenido sexual muy explícito, como “I’ve Been In Love”, junto a Channel Tres. ¿Cómo surgió esta colaboración?

Conocimos a Channel en Los Ángeles hace unos años. Obviamente es muy inspirador, está haciendo algo único en el género del rap y despertó nuestro interés. Nos encanta trabajar con personas que nos emocionan y que intentan desafiar la concepción de lo que se espera de ellos. Él es un rapero, pero no necesariamente hace hip hop, y eso es algo que nos resulta muy interesante y, al mismo tiempo, nos da una nueva perspectiva sobre nuestra propia música. Durante mucho tiempo hemos pensado que tal vez nuestra música no era el género adecuado para trabajar con raperos y artistas de spoken word, pero cuando conocimos a Channel pasamos un buen rato con él en el estudio y nos dio la confianza necesaria para incluirlo en un disco. Es una mezcla muy interesante para nosotros.

En este álbum también trabajasteis con Erick The Architect, con Roots Manuva y nuevamente con Bas. ¿Por qué habéis elegido voces vinculadas al rap? ¿Ha sido una manera de formatear vuestro nuevo sonido?

Sí, un poco. También creo que amamos la música rap y crecimos amándola durante mucho tiempo. Fue una gran influencia para nosotros cuando éramos niños. J Dilla fue una gran influencia, y también hubo algunos productores increíbles en la escena hip hop del Reino Unido entre los años 2000 y 2007. Ha sido muy emocionante permitir que eso esté presente en este disco.

“You Ain’t No Celebrity”, la canción con Roots Manuva, solo tiene percusión, bajo y sintetizador. Es muy minimalista. ¿A veces menos es más?

Sí, y creo que lo estamos aprendiendo cada vez más a lo largo de nuestra carrera. Es muy fácil poner muchas cosas en una canción y, por el contrario, se necesita mucha confianza y habilidad para poner solo unos pocos instrumentos y unas pocas ideas. Eso crea un sonido audaz, que es lo que buscamos; queremos que nuestro sonido sea más distintivo. Cuando éramos más jóvenes tal vez poníamos un montón de cosas en las canciones porque había falta de confianza o de fe en la idea, pero si tienes una línea de bajo increíble y un sonido de batería increíble, eso es todo lo que necesitas.

Hay algunas pistas de house, como “Holding On” o “Don't Play”…

Crecimos escuchando french touch y música house, electrónica. Música que escuchábamos en los clubes de Londres cuando éramos adolescentes. Y ha sido realmente divertido redescubrir nuestro amor por esas influencias. Como dije antes, hemos estado pinchando como DJs mucho últimamente, así que tal vez esas influencias están más presentes o simplemente estamos expuestos nuevamente a más música de baile, por lo que subconscientemente, al crear música, nos sentimos atraídos por esos sentimientos y esos ritmos, y queremos que la gente mueva sus cuerpos con nuestra música. Eso es un principio fundamental para nosotros.

¿Puedes dar algunos nombres de esas influencias?

Daft Punk fue una gran influencia para nosotros; Ed Banger Records estaba en su apogeo entre 2000 y 2005. Mucha de esa música se estaba poniendo en la radio en el Reino Unido y también en los clubes. Yo escuchaba mucho a Moby cuando era niño y siempre me ha interesado la forma en que esos artistas difuminan la línea entre lo que está hecho por ordenadores y lo que está hecho por humanos. Y eso para nosotros siempre ha sido algo interesante en términos creativos.

Llama la atención el uso de flautas en varias canciones, como en “Us Against The World” o “Problemz”. Hasta ahora no era muy común en vuestra música este tipo de instrumento.

Sí, es correcto. Solía tocar la flauta cuando era más joven. La usamos por primera vez en una canción llamada “Good Times” que lanzamos el año pasado junto con el otro sencillo, “Problemz”. Y obviamente hay un increíble solo de flauta en la canción “Bonnie Hill” del tercer álbum. No sé si es un sonido muy de moda, como la flauta de jazz, la flauta de funk, pero siempre nos han encantado los discos que tienen instrumentos naturales que son tocados con destreza. Es muy fácil recurrir a una computadora o un sintetizador, pero a veces la belleza radica en encontrar algo que sea increíblemente humano y analógico.

“Dominoes” evoca a “Home”, de Caribou, y su sample de Gloria Barnes. ¿Habéis hecho algo similar con esta canción?

Sí, “Dominoes” es la única canción en el disco que tiene un sample, de Gloria Ann Taylor (“How Can You Say It?”). El uso de samples siempre nos ha encantado, ya sea escuchando hip hop o música dance. Muchos artistas y canciones que amamos incorporan samples de viejos discos de soul, jazz o música clásica. Siempre nos ha encantado la forma en que eso aporta nostalgia a nuestra música, y lo que hemos tratado de hacer es, en esencia, samplearnos a nosotros mismos, así que lo que hacemos es escribir ganchos, música soul o canciones que se sientan mucho más clásicas en su instrumentación y sus arreglos. Canciones como “Candle Flame” pueden sonar como un sample para alguien, pero en realidad hemos creado una pista y luego la hemos resampleado, acelerado y luego creado algo mucho más moderno y relevante. Pero aún conserva esa sensación de familiaridad y calidez.

¿Alguna vez pensasteis que este trabajo es arriesgado en el sentido de que podría sorprender a vuestros seguidores?

Sí y no. Obviamente nuestros seguidores son lo más importante para nosotros, las personas que escuchan nuestra música y aman nuestra música, que vienen a nuestros conciertos y nos apoyan con su dinero ganado con esfuerzo. Son el alma de Jungle y no existiríamos sin ellos. Pero también creo que les gusta que nos desarrollemos y evolucionemos. En última instancia, el núcleo de Jungle sigue siendo su alma, la energía de la música soul, el disco y el funk, pero queremos darles otro aspecto; es como pasar la página de un libro, es un nuevo capítulo, un nuevo comienzo. Pero las personas que están detrás siguen siendo las mismas y nuestros objetivos, nuestro amor y nuestra pasión también siguen siendo los mismos. Lo que estamos descubriendo ahora es que nuestra música está llegando a un público más amplio. Quienes han estado con nosotros desde el principio realmente pueden ver la progresión y creo que lo aprecian desde una perspectiva artística.

Las portadas de Jungle. ¿Por qué solo cambia el color?

Somos muy perezosos, queremos hacer el menor trabajo posible (risas). Es un concepto, es como una colección. Tenemos una visión artística muy marcada para todo el proyecto y, si dentro de veinte años podemos mirar hacia atrás en nuestra carrera, creo que sería muy satisfactorio ver que teníamos un concepto y una visión muy sólida y que la ejecutamos múltiples veces, con variaciones. No es un disco separado, sino otro capítulo en la vida de Jungle. Queríamos mantener la portada muy simple, que fuese algo increíblemente efectivo. Nos ofrece lo que queremos, que es darle a la gente el nombre de la banda. Para nosotros, Jungle es lo más importante; no se trata de las personas. Es como Daft Punk. Daft Punk es lo más importante, no los dos tipos detrás de las máscaras; se trata de la música, de los vídeos, del misticismo, de la artesanía. Y eso siempre ha sido algo que nos ha atraído.

Sois amigos desde la escuela. ¿Habéis pensado en participar en proyectos o habéis colaborado en otros proyectos?

Sí, por supuesto. Jay (se refiere a Joshua Lloyd-Jackson, la otra mitad del dúo) lanzó un disco en solitario llamado “Kosmos” en 2020. Yo he trabajado recientemente en la banda sonora de una película, un documental sobre los Juegos Olímpicos que ha sido increíble, sobre atletas refugiados compitiendo y sobre su viaje de entrenamiento y preparación para competir en París en 2024. Y también hemos trabajado con otros artistas. Pero nuestra pasión es colaborar juntos, nuestra pasión es Jungle, que ha sido una parte muy importante de nuestras vidas durante la última década. Y todavía sentimos que hay vida ahí, pero hacer otras cosas y ampliar la base de conocimientos y los nuevos desafíos también retroalimenta lo que hacemos en Jungle: somos mejores músicos, mejores escritores, mejores compositores y mejores productores.

¿Qué estáis preparando para los conciertos, tras un verano como DJs?

El show en vivo va a ser genial. Estamos tratando de hacer algo conceptual, tratando básicamente de crear la sensación de un set de DJ pero usando nuestras canciones y músicos en vivo, lo cual es realmente emocionante para nosotros. Eso es un concepto que creemos que nos permite brindar la mejor experiencia posible a nuestro público y también una experiencia diferente a la de escuchar nuestro álbum.

También me gustaría preguntarte por Caiola. ¿Es vuestro propio sello?

Sí, lo es.

¿Qué pensáis hacer con él? ¿Queréis tener más bandas o es solo una forma de publicar la música de Jungle?

Creo que solo va a ser una forma de publicar nuestra propia música y quizá proyectos asociados a nosotros, proyectos en solitario, etc. La razón por la que ya no trabajamos con una estructura de discográfica tradicional es que hemos visto que no es un trato justo para los artistas. Fundamentalmente, se da mucho del dinero ganado con esfuerzo a gente que no tiene ninguna inversión emocional en lo que haces, solo están ahí por el beneficio económico. Nunca querríamos formar parte de ese sistema y yo nunca querría publicar la música de otro porque me convertiría en parte del problema.

¿Crees que muchos de los sellos actuales no buscan la calidad artística de los artistas, sino el dinero?

Sí, por supuesto. Siempre ha sido así. El sistema es perpetuo e interminable.

¿Hubo algún tipo de problema con XL Recordings, vuestro primer sello?

No, nunca tuvimos problemas. La experiencia que tuvimos allí fue increíble. Y, de hecho, la plataforma que nos dio ese sello discográfico para seguir adelante y tener una carrera exitosa fue muy valiosa para nosotros. Pero creo que la industria y la forma en la que se consume la música ha cambiado en los últimos diez años. Pensábamos que esa relación era necesaria. En realidad, creo que hay un montón de jóvenes artistas que se lanzan ellos mismos o hacen acuerdos de distribución. Es un sistema más guiado por el artista y creemos que así tiene que ser. 


Entrevista por Carlos Marlasca || Fotos: Arthur Williams y Lydia Kitto


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